Crítica: Los abrazos rotos

Título: Los abrazos rotos

País: España

Año: 2009

Duración: 130 min.

Género: Drama, intriga

Director y guionista: Pedro Almodóvar

Intérpretes: Penélope Cruz (Lena), Lluís Homar (Mateo Blanco/Harry Caine), Blanca Portillo (Judit García), José Luis Gómez (Ernesto Martel), Rubén Ochandiano (Ray X), Tamar Novas (Diego), Ángela Molina (madre de Lena), Chus Lampreave (portera), Kiti Manver (Madame Mylene), Lola Dueñas (lectora de labios), Mariola Fuentes (Edurne), Kira Miró (modelo), Rossy de Palma (Julieta), Alejo Sauras (Álex)

Música: Alberto Iglesias

Fotografía: Rodrigo Prieto

Estreno en España: 18 marzo 2009

No cabe duda que la expectación desmedida que se genera en las previas del estreno de autores importantes se me antoja más como una rémora que como un viento a favor. Algo así parece haber sucedido con el tan esperado retorno de Almodóvar a las carteleras tres años después de su aclamada Volver.

Esperada como agua de mayo que sirviera de acicate para un ansiado repunte de la taquilla del cine español, Los abrazos rotos, parece no haber entrado a muchos por el mejor de sus ojos, pese a haber llevado en volandas al público a las salas situándola en un meritorio segundo lugar a rebufo del incontestable Gran Torino de Clint Eastwood, que sigue manteniéndose intratable.

No deja de ser revelador que con la cantidad de películas que se hacen al año en España, 173 en 2008 sin ir más lejos, tengamos que estar esperando ahora a Almodóvar, y más tarde a Amenábar, para levantar el pabellón y justificar lo injustificable.

Crítica : En el séptimo cielo

 

 

Título original: Wolke 9

Título: En el séptimo cielo

País: Alemania

Año: 2008

Duración: 98 min.

Género: Drama

Director: Andreas Dresen

Guión: Andreas Dresen, Jörg Hauschild, Laila Stieler, Conny Ziesche

Intérpretes: Ursula Werner, Horst Rehberg, Horst Westphal, Steffi Kühnert

Fotografía: Michael Hammon

Web: http://www.wolke9.de/

Fecha de estreno: 18/03/2009

Andreas Dresen, quien ya degustó las mieles del triunfo en la bella Easo con su refrescante guión de Verano en Berlín, vuelve a hacer una apuesta fundamentalmente esencial y exenta de ornamentos, que nos hace compartir desde la naturalidad los avatares de una mujer sexuagenaria que tras 30 años de feliz de matrimonio es sorprendida a si misma por un arrebatado enamoramiento al más puro estilo adolescente.

En esta línea de cosas, Dresen reivindica sin estridencias pero con contundencia la realidad del amor (en este caso más bien del enamoramiento) más alla de los sesenta. Y no sólo de un amor dulzón y melancólico sino de un amor intensamente pasional y sexual. Porque el deseo no es patrimonio exclusivo de una edad, ni el amor está mejor pertrechado tras las murallas que levanta el mero paso del tiempo.

Crítica: Una historia de violencia

Título: A history of violence (Una historia de violencia)
País: EEUU y Canadá
Año: 2005
Duración: 96 min.
Género: Thriller, drama
Director: David Cronenberg
Intérpretes: Viggo Mortensen (Tom Stall), Maria Bello (Edie Stall), Ed Harris (Carl Fogarty), William Hurt (Richie Cusack), Ashton Holmes (Jack Stall), Stephen McHattie (Leland Jones),
Heidi Hayes (Sarah Stall), Greg Bryk (William “Billy” Orser), Peter McNeill (Sheriff Sam Carney)
Guión: Josh Olson; basado en la novela gráfica de John Wagner y Vince Locke
Música: Howard Shore
Fotografía: Peter Suschitzky
Estreno en España: 21 octubre 2005

Llegó el momento de tratar a uno de los cineastas más creativos, lúcidos e interesantes del panorama cinematográfico contemporáneo y personalmente uno de mis directores predilectos: David Cronenberg. El núcleo de Una historia de violencia está muy próximo a sus primeras obsesiones, lo que pone de manifiesto la sensatez y coherencia temática en la obra del controvertido realizador.

Ronda una concepción casi unánime que señala a este director entre los autores convulsos, retorcidos, extravagantes, de innovadora puesta en escena. No deja de ser una falacia. Si aprendiésemos a distinguir entre continente y contenido veríamos rapidamente que, por lo regular, la puesta en escena de este cineasta ha hecho garante en todos sus largometrajes de una eficiencia y sobriedad absolutas al servicio de la historia, ahora sí, mucho más enrevesada.

Crítica: El nuevo mundo

Título: The New World (El nuevo mundo) Director y guionista: Terrence Malick.
País: Reino Unido, USA.
Año: 2005.
Duración: 150 min.
Género: Drama, aventuras.
Intérpretes: Colin Farrell (John Smith), Q’ Orianka Kilcher (Pocahontas), Christopher Plummer (Capitán Newport), Christian Bale (John Rolfe), August Schellenberg (Powhatan), Wes Studi (Opechancanough), David Thewlis (Wingfield), Yorick van Wageningen (Argall), Raoul Trujillo (Tomocomo), Michael Greyeyes (Rupwew).
Música: James Horner.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.
Montaje: Richard Chew, Hank Corwin, Saar Klein y Mark Yoshikawa.
Diseño de producción: Jack Fisk.
Vestuario: Jacqueline West.

El milagro estético del cine de Terrence Malick siempre fue plasmar de manera sublime y natural las tribulaciones de un puñado de personajes enfrentados a una situación límite. Visto así, sin otros matices, no parece que el suyo sea un estilo especialmente único, pero lo verdaderamente interesante de sus películas, el auténtico núcleo de su cine, reside en el hecho de contarnos una historia que ya ha sido contada otras veces pero excitando constantemente nuestra curiosidad mediante el empleo de un ritmo pausado y, sobre todo, de una mirada cargada de serenidad y poesía a remolque de su elegante puesta en escena y de su deslumbrante fotografía que se aleja ostensiblemente de cuantas hemos podido contemplar antes en la gran pantalla.

Crítica: Plata Quemada

 

Título: PLATA QUEMADA

Título Original: PLATA QUEMADA

Año de producción: 2000

Duración: 90 min.

País: Argentina-España-Uruguay-Francia

Género: intriga, thriller

Director: Marcelo Piñeyro

Intérpretes: Eduardo Noriega, Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Leticia Bredice, Ricardo Bartis, Dolores Fonzi, Carlos Roffe, Daniel Valenzuela, Héctor Alterio

Música: Osvaldo Montes

Fotografía: Alfredo Mayo

Hay dos maneras de aproximarse a esta valiente apuesta del director argentino Marcelo Piñeyro. La primera es como una nueva muestra de cine negro, ambientada en Buenos Aires en 1965. Sus protagonistas son dos delincuentes, El Nene y Ángel, conocidos como “Los mellizos”, aunque no son hermanos. En realidad son dos amigos que saben que su único territorio es la clandestinidad, por lo que deciden planear el asalto del camión de las nóminas de los empleados municipales de San Fernando, para emigrar con el dinero lejos de Argentina.

Pero hay otra manera más compleja de acercarse a Plata quemada. Una manera que implica una cierta disposición del espectador para ver en la arriesgada secuencia de sus imágenes una inusual “love story”, en la que el director de Caballos salvajes (1995), más sintético que analítico, opta por una línea extremista y ambientes opresivos para subrayar el conflicto psicológico de unos personajes que revelan una continua insumisión al orden social.

Crítica: Princess

TÍTULO: Princess.
TÍTULO ORIGINAL: Princess.
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2006.

NACIONALIDAD: Dinamarca-Alemania.
DURACIÓN: 80 minutos.
DIRECCIÓN: Anders Morgenthaler.
GUIÓN: Anders Morgenthaler y Mette Heeno.
MONTAJE: Mikkel E.G. Nielsen.
MÚSICA: Casper Clausen y Mads Brauer.
DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Rune Fisker.
REPARTO (voces): Thure Lindhardt, Stine Fischer Christensen, Liv Corfixen, Tommy Kenter, Margrethe Koytu.
ESTRENO EN ESPAÑA: sin determinar.

El realizador y dibujante danés Anders Morgenthaler debutó en el formato largo con esta inusual e impactante película de animación que tuvo su génesis en Araki, The killing of a Japanese Photographer (2003), un cortometraje que realizara su autor como proyecto de fin de curso para la Danish Film School y que presentara en el Festival de Berlín de 2003.

Según reconocía el realizador, el objeto de aquel cortometraje animado, si cabe más descarnado que el propio largometraje, venía inspirado en el libro “Tokyo Lucky Hole” y en su autor, el polémico Nobuyoshi Araki, el más significativo de los fotógrafos japoneses vivos, apresuradamente tildado por muchos de irredento pornógrafo. En “Tokyo Lucky Hole” el controvertido y prolífico artista tokiota, cuya obra merece una detenida atención, documenta con explícitas imágenes la voracidad de la industria del sexo en Japón, tomando como referencia el barrio de Kabukicho de Shinjuku en el Tokio de la década de los ochenta.

Crítica: Frida

Dirección: Julie Taymor.
País: USA.
Año: 2002.
Duración: 120 min.
Intérpretes: Salma Hayek (Frida Kahlo), Alfred Molina (Diego Rivera), Geoffrey Rush (Leon Trotsky), Ashley Judd (Tina Modotti), Antonio Banderas (David Alfaro Siqueiros), Edward Norton (Nelson Rockefeller), Valeria Golino (Lupe Marín), Mía Maestro (Cristina Kahlo), Roger Rees (Guillermo Kahlo), Patricia Reyes Spíndola (Matilde Kahlo), Saffron Burrows (Gracie).
Guión: Diane Lake, Gregory Nava, Clancy Sigal y Anna Thomas; basado en el libro de Hayden Herrera.
Música: Elliot Goldenthal.
Fotografía: Rodrigo Prieto.
Estreno en España: 14 febrero 2003

Sin reserva mental de ningún género, había que decir de entrada que este último trabajo de Julie Taymor contiene, por lo menos, media docena de sorpresas que, además de demostrar una vez más las posibilidades infinitas de la cantera artística latinoamericana para explorar determinados estereotipos sociales, reafirman nuestra certeza de que se trata de una de las realizadoras más originales, coherentes y audaces de la actual órbita cinematográfica.

Algunas de esas sorpresas están relacionadas, naturalmente, con el talento innato de esta cineasta para la dirección de actores (recordemos su hábil manejo de los intérpretes en Titus, donde las actuaciones shakesperianas de Anthony Hopkins, Jessica Lange y Jonathan Rhys-Meyers son de alto voltaje) y con su endiablada destreza para convertir los conflictos interpersonales en agudos retratos psicológicos de seres que actúan en el filo de la navaja; otras, en cambio, revelan cierta desmesura a la hora de establecer el necesario equilibrio dramático entre el planteamiento narrativo del filme y la magnética espesura literaria que destilan sus diálogos.

Crítica: Shara

Título original: 沙羅双樹 (Sharasōju)
Título: Shara
Nacionalidad: Japón
Año: 2003
Duración: 99 min.
Género: Drama
Directora: Naomi Kawase
Guión: Naomi Kawase
Intérpretes: Kohei Fukungaga, Yuka Hyyoudo, Naomi Kawase, Katsuhisa Namase, Kanako Higuchi.
Música: Yoshiya Nagasawa
Fotografía: Yutaka Yamasaki

“Yo filmo porque hay cosas que no puedo olvidar. Podría guardarlas en mi memoria. Pero necesito darle una forma a mis recuerdos” Naomi Kawase

Naomi Kawase (河瀨直美), natural de Nara, antigua capital de Japón entre cuyas evocadoras callejuelas transcurre la trama de esta película se nos presenta a lo largo de su ya extensa filmografía (30 filmes) como una cineasta que, ajena a las tendencias, ha sentado las bases de un estilo cinematográfico estrictamente personal, cuya premisa pasa por permanecer fiel y próxima a la realidad de las propias experiencias y transmitir el profundo significado o más bien la poesía que se esconde en la naturalidad de los pequeños gestos cotidianos.

En Naomi Kawase la vida y el cine van tan entrelazados que es difícil precisar dónde termina la propia vivencia y dónde comienza el arte, dónde termina el documento sentimental y dónde comienza la ficción, tan grande es la simbiosis entre su universo íntimo y su obra. Para una mujer que afirma que «sólo consigo expresarme a través del cine», el eje de su obra no puede ser otro que ella misma: «El tema soy yo».

 

Tráiler de Defiance

 

Leo hoy vía agencia efe el siguiente titular: “La masacre de judíos en Europa vuelve al cine en febrero 2009 con Defiance.” Y continúa: “Los hechos sobre el genocidio en Europa del año 1941 vuelven a la gran pantalla y los judíos son masacrados por millones. Intentando escapar a la muerte, tres hermanos se refugian en los densos bosques del este de Europa.”

“Ahí comienza una desesperada batalla contra los nazis. Daniel Craig, Liev Schreiber y Jamie Bell estelarizan a estos hermanos que encarnan una primitiva lucha por sobrevivir salvando a miles que buscan protección y perdiendo a sus propias familias.”

Crítica:Transylvania

Título: Transylvania
Dirección: Tony Gatlif
País: Francia
Año: 2006
Duración: 103 minutos
Género: Drama, road-movie
Reparto: Asia Argento (Zingarina), Amira Casar (Marie), Birol Ünel (Tchangalo), Alexandra Beaujard (Luminitsa), Beata Palya.
Guión: Tony Gatlif
Fotografía: Céline Bozon
Música: Tony Gatlif y Delphine Mantoulet
Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/
Fecha de estreno en España: 21/09/2007

El realizador, guionista y compositor de raíces gitanas Tony Gatlif (Argel 1948), que atesora la Palma de Oro al mejor director del festival de Cannes por Exil (2004) así como un buen ramillete de premios en los César franceses amén de otros galardones internacionales, sigue fiel a su línea de trabajo personal y pensamiento subversivo y nos obsequia con un atípico road-movie a ritmo de video-clip que si bien aborda en primer plano un tema tan universal como la búsqueda del amor de la mano de una impactante y entregada Asia Argento, no deja escapar la oportunidad de abundar en temas recurrentes en su filmografía como la problemática de las minorías étnicas, y gitana en particular, o el estudio antropológico del folklore popular. Sirva al caso recordar títulos como Corre gitano (1981) o Les Princes (1982).